Conosci te stesso è molto più di uno spettacolo: è l’epilogo del primo Laboratorio Sublimante®, un percorso di recitazione e scrittura rivolto a persone comuni, non attori, finalizzato a trasformare un frammento della propria vita in un monologo teatrale da portare in scena.

Il risultato è una composizione teatrale costruita a partire da storie vere, raccontate dalle stesse persone che le hanno vissute, ma che non portano in scena sé stesse. A prendere vita sono infatti i Protagonisti Interiori: nuove maschere nate dalla fusione tra il proprio Sé e un alter ego analogico ispirati alla letteratura, alla mitologia, al teatro, al cinema o di pura immaginazione.

Ogni monologo è un vero e proprio cortometraggio teatrale, dove, per la prima volta, si diventa protagonisti sul palco della propria vita.

La drammaturgia e la regia di Valentina Ghetti trasfigurano l’esperienza autobiografica in un racconto universale, facendo emergere archetipi nei quali ogni spettatore può riconoscere una parte di sé.

I protagonisti di questa prima edizione provengono da ambiti professionali molto differenti: una sindacalista, un avvocato, una regista di backstage, un esperto di climatizzatori, un’educatrice d’infanzia e un amministratore di condomini.

Sul palco prendono forma un’Arianna contemporanea che perde il proprio Teseo per ritrovare sé stessa; un Edmond Dantès imprigionato nel  destino che scopre come la natura sia perfezione; un esperto di climatizzazione perseguitato da un freddo stocastico; un’Alice sospesa tra realtà e psichedelia chirurgica; una Lulù che attraversa le proprie età alla ricerca di un abbraccio e un Faust che, dopo aver trasformato la legge nella propria gabbia, sceglie di assaporare la libertà.

Sei, come i Sei personaggi in cerca d’autore di pirandelliana memoria che, come nella celebre opera, si ritrovano in un finale sospeso tra finzione e realtà, dove la sentenza arriva netta: senza conoscersi davvero, si cammina, un po’, al buio.

Conosci te stesso propone una riflessione sul teatro come luogo di conoscenza, dove il coraggio può trasformare il dolore in linguaggio artistico.

La messa in scena è essenziale. Al centro dello spazio domina un unico cubo bianco, simbolo della pietra da cui ripartire dopo la dissoluzione dell’ego. Il disegno luci e la musica sono parte integrante della drammaturgia, trasformando il palco nello spazio simbolico che accoglie le vite dei protagonisti.

L’intero impianto scenico converge verso la valorizzazione del protagonista: l’eroe che ha attraversato il proprio viaggio trasformativo e che, nell’atto finale, chiede semplicemente di essere visto. Perché ogni trasformazione acquista significato solo quando trova uno sguardo capace di riconoscerla.

Il mondo si fonda sull’equilibrio degli opposti. Ed è proprio da questo principio che nasce la riflessione su certi sistemi familiari, in cui una figura maschile di potere, carisma e forza non può esistere senza il suo contraltare: un emarginato. Un figlio dimenticato, spesso considerato diverso, problematico, tanto da finire inevitabilmente chiuso in un manicomio.

In un misterioso stanzone anonimo, sei giovani protagonisti si incontrano in un esperimento dai connotati inquietanti che li vede combattere per affermare la propria identità distrutta dalla storia. Scopriremo che tutti e sei sono realmente esistiti e sono figli di famiglie illustri, schiacciati psicologicamente da esigenze di potere politico o culturale: Rosemary Kennedy, Lucia Joyce, Benito Albino Mussolini, Aldo Togliatti, Giorgio Agnelli, Eduard Einstein. Il destino comune rivela una dinamica ben più profonda e universale: laddove il potere si manifesta, sorge l’esclusione.

L’ idea di regia e dell’adattamento prendono le distanze dal testo originale (pubblicato nella raccolta “Buffonate senza corte”, dalla casa Editrice Zona Contemporanea), partendo dallo spunto di un noto esperimento scientifico: la “Strange Situation Procedure” della celebre psicologa Mary Ainsworth, che valuta il sistema d’ attaccamento dei bambini attraverso stimolazioni e osservazioni esterne.  Durante lo spettacolo, lo spettatore diventa osservatore attivo di un fantomatico esperimento psichiatrico – l’Insane Situation Procedure – tra iniezioni placebo, Mozart, musica psy trance, bui e luci accecanti, scacchiere giganti, cubi di Rubik e dialoghi esistenziali, a tratti assurdi. Progressivamente, i protagonisti si rivelano nelle loro più intime fragilità, nel dolore delle loro psicosi, dei loro traumi conditi da elettroshock e solitudine.  Lo spietato finale rivela infatti che l’unico modo per sopravvivere è circondarsi di relazioni e affetto.

La cura millimetrica della recitazione, l’attenta analisi psicologica dei personaggi e delle loro sfaccettature, rende le interpretazioni indimenticabili. Uno spettacolo inedito, dissacrante, a tratti shoccante, accolto da pubblico e critica con inaspettato entusiasmo

L’imperatrice è un omaggio all’incredibile artista Niki de Saint Phalle, autrice di innumerevoli pitture e sculture e resa immortale per l’ideazione del Giardino dei Tarocchi. Di ricca famiglia francese trasferitasi negli Stati Uniti, Niki conosce l’orrore ben presto subendo abusi sessuali da parte del padre fino al matrimonio con il giovane Mattew Harris. Borghese e intellettuale, l’uomo permette a Niki di esplorare il suo talento ad una condizione: la degenza in ospedale psichiatrico. Dopo elettroshock e insulina, Niki esce dalla clinica, divorzia, si innamora di Jean Tinguely, avvia la carriera di modella ma soprattutto scopre la sublimazione del dolore attraverso l’arte. Niki si ribella, spara con i colori alle sue stesse opere, Niki costruisce Nanas sempre più grandi, Niki sogna serpenti e un giardino incantato nel cuore della Maremma. Niki diventa una star internazionale. Niki si ammala di artrite reumatoide e resta sola ma contempla ciò che ha creato perché “L’arte è vita, è liberazione”.

Lo spettacolo, che debuttò con la regia di Mariano Lamberti nel 2021, vede in scena una sola attrice, Caterina Gramaglia, il cui talento riempie lo spazio scenico in un caleidoscopio di tante Niki quanti i momenti della sua vita, scanditi attraverso i 22 arcani maggiori e le sculture monumentali che l’hanno resa celebre.

In questa nuova veste registica, l’Imperatrice, diventa un vero e proprio viaggio iniziatico, simbolico, scandito dai suoni dei quattro elementi, denso di colori, argilla, zolfo. Le musiche sono un omaggio a tutte le più celebri cantanti del nostro secolo, con brani che vanno dal 1930 fino al 2002, esattamente come la vita di Niki.  Uno spettacolo che commuove e diverte il pubblico con un’interpretazione potente e a forte impatto emotivo adatta anche ad allestimenti in spazi all’aperto.

Quasi Papa nasce come romanzo di Andrea Cirino e si trasforma, nella sua versione scenica, in un viaggio intimo e collettivo al tempo stesso. È la storia di Andrea, un giovane seminarista siciliano con una vocazione pura e ardente che, lasciata la propria terra, approda a Roma per inseguire una carriera ecclesiastica, complice un forte idealismo giovanile. La sua parabola personale finisce per intrecciarsi con cinquant’anni di storia italiana e vaticana, fino a lambire le soglie del sogno più alto: diventare Papa. Ma solo “quasi”.

L’adattamento teatrale vuole essere una riflessione amara e lucida sul senso profondo della vita, sul prezzo della libertà, sulle contraddizioni tra vocazione e potere. Sul palcoscenico, come in un prisma dalle molteplici facce, verità e illusioni, fede e politica, si specchiano nella vicenda del protagonista e nelle figure che incontra: papi come Roncalli e Ratzinger, personaggi verosimili o fittizi del mondo curiale, il fratello Giuseppe, la bella e malinconica Matilde… presenze simboliche che incarnano la tensione tra spiritualità e ambizione.

La scelta registica parte dall’attore stesso, in una forma essenziale e quasi grottesca: la vestizione dei personaggi avviene spesso a vista, come a smascherare la farsa della vita, i ruoli che indossiamo e che ci vengono imposti. L’uso potente di luci e ombre diventa un linguaggio costante, un contrappunto visivo che accompagna il percorso del protagonista insieme a una ricerca sonora particolare, capace di attraversare i decenni e di far risuonare i cambiamenti storici e interiori.
Una messinscena che rende ancora più forte non solo la scelta di un uomo, ma il continuo confronto tra l’anelito alla grandezza e il peso inevitabile della fragilità umana.

LO SPETTACOLO HA DEBUTATTO A GENNAIO 2024 PRESSO IL TEATRO PRANDELLO DI AGRIGENTO, DESTINATO AD UN PUBBLICO DI GIOVANI E ADOLESCENTI. HA AFFRONTATO LA SFIDA DI RENDERE ACCESSIBILE E AVVINCENTE UNA TEMATICA DISTANTE ALLE NUOVE GENERAZIONI E OTTENUTO SUCCESSO DI PUBBLICO E CRITICA.

Doppio stupro – L’odore della giustizia è uno spettacolo pensato per un pubblico liceale, ma non per questo si piega al buonismo o alla semplificazione. All’interno di un’ala del tribunale si consuma il giorno della sentenza di un processo ambiguo che ha come protagonisti Silvana Ravalli e Antonio Parolo, due giovani provenienti da un piccolo paese dove le voci corrono più veloci dei fatti. Lei è una ragazza appariscente e libera, lui un ragazzo come tanti. Lei denuncia uno stupro, lui sostiene che lei fosse consenziente. Il consenso, però, è sfumato, difficile da definire, e la giustizia è chiamata a decidere. La narrazione si muove su due livelli: quello processuale, dove due avvocati e due imputati si sfidano in aula, e quello umano, intimo, dove toghe e maschere cadono e restano i corpi, le esitazioni, i conflitti interiori.

La regia è essenziale, calibrata, capace di evocare – attraverso un uso sapiente della musica – un’atmosfera quasi cinematografica. Tra le pieghe del racconto si insinua il sapore di un poliziesco anni ’80, dal fascino rétro, che amplifica il contrasto con la tematica feroce e attuale. La figura del giudice, interpretata da Luigi Di Majo, è un brillante incontro, a tratti grottesco, tra lentezza senile e lucida crudeltà. La sua sentenza spiazza il pubblico e lascia un senso di inquietudine dall’ acre odore. A impreziosire la scena, la musica dal vivo del musicista e attore Daniele Gatti, che per lo spettacolo ha composto un brano originale.

 Con la sua cornice di quiz televisivo anni ’90, lo spettacolo è un chiaro omaggio alla liturgia catodica di Mike Bongiorno, ma l’illusione del gioco si spezza rapidamente per lasciare spazio a un viaggio visionario nelle pieghe più oscure e affascinanti della mente dove la vittoria sarà una profonda riflessione sul senso della vita.

Sette buste custodiscono altrettanti enigmi, sette psicosi da esplorare e comprendere. A sorte vengono scelti sette spettatori/concorrenti: il gioco comincia, ma il confine tra palco e platea si dissolve. Il pubblico intero viene traghettato in sette quadri scenici, sette colori dell’anima, sette sintomi del nostro tempo: schizofrenia, disturbi alimentari, disturbo borderline di personalità, depressione, sindrome del controllo, ossessione per l’apparire, narcisismo patologico.

La scena è abitata da una sola attrice – Martina Palmitessa (Me contro te -Viperiana, Il quaderno nero dell’amore) – che si fa corpo multiplo, interprete delle sette figure frammentate. La sua metamorfosi dà vita a un racconto emotivo e pulsante dove dramma e ironia sono sapientemente mescolati.

Lo spettacolo, grazie al suo delicato aspetto immersivo, alla profondità psicologica della scrittura e alle musiche emozionali di Gabriele Policardo è una vera e propria esperienza trasformativa che conduce gli spettatori fino alla vittoria del game, dove la diagnosi lascia spazio all’empatia poiché “gli enigmi” (esistenziali) non trovano una sola risposta. L’autrice, ribaltando il punto di vista, si spinge a  mostrare le  psicosi non come patologie vere e proprie, ma  come “tratti” alternativi della personalità.